Fine Arts课程

16 节课

• 2012年后的美国电影：主流与独立 – 美国电影有两个相互联系的世界。主流电影出自大制片公司，预算高、明星多、同时在很多影院上映。独立电影（简称“独立片”）在大公司之外拍摄，预算小，创作上敢冒险，靠电影节和口碑慢慢传开。对比研究的做法是：选一部主流片和一部独立片，分别从电影形式（摄影、场面调度、剪辑、声音、表演）和背景（什么时候、怎么拍、为什么拍）去分析，再比较两部片子怎样处理共同的主题。
• 奥迪西舞中的表演艺术、情味与音乐 – Abhinaya（表演艺术）是把故事和情感传达给观众的艺术，分为四个部分：Angika（身体）、Vachika（言语与歌唱）、Aharya（服饰与化妆）和Sattvika（发自内心的真实情感）。舞者表现出一种情感（bhava），观众则体会到一种意境（rasa）。共有九种情味：爱、笑、悲、怒、勇、惧、厌、奇、静。奥迪西舞穿丝绸纱丽，带有褶扇，佩戴银饰、塔希亚（tahia）头冠、脚铃（ghungroo）和红色阿尔塔（alta）。它的音乐使用拉格（raga）和塔拉（tala），配有马达拉鼓、笛子、小提琴或锡塔琴以及吉尼小钹，常常演唱《牧童歌》（Gita Govinda）。奥里萨邦还有热闹的民间舞蹈，如戈蒂普阿、恰乌、桑巴尔普里、古穆拉和拉纳帕。
• 表演：让角色活起来 – 表演就是把一个角色真实地呈现给观众。演员先要弄清规定情境（谁、在哪里、什么时候）和角色的目标（他想要什么），再用肢体（姿态、手势、高低位置、地位）和声音（音量、语速、音高、停顿）把它表现出来。在舞台上，表演就是行动和反应：你要倾听搭档，再作出回应。节奏、停顿和紧张感决定一场戏的味道，戏剧也可以用来探讨真实的社会问题。
• 抽象艺术：起源与发展 – 抽象艺术不再照着世界上的东西去画，而是直接用色彩、形状、线条和质感来表达。它兴起于20世纪初，康定斯基、马列维奇和蒙德里安等画家不再临摹物体。后来，波洛克和罗斯科用大幅度的动作和大片色彩来表现感受。
• 古代艺术:从洞穴岩壁到罗马拱门 – 古代艺术从4万多年前的洞穴壁画一直延续到罗马帝国灭亡(公元476年)。史前的人用赭石和木炭画动物和手印,并用梁柱结构竖起巨石建筑。埃及人按固定规则创作僵直的人像,为了永恒而造。希腊人在大理石神庙和雕像中追求理想的美与平衡。罗马人学习希腊的样式,又加入了拱、混凝土和穹顶,并用艺术和建筑展示国家的力量。
• 故事改编与舞台呈现 – 改编故事，就是把故事变成一出戏。故事里可以有很长的叙述，但舞台上只能展示人物说的话和做的事。所以小组要把叙述改成对话和动作，分好工作（编剧、导演、演员、设计），再选一种舞台形式：镜框式（观众坐在一面）、伸出式（观众坐在三面）或环形（观众坐在四周）。演出结束后，大家一起复盘：哪些做得好，哪些还要改进。
• 卡塔克舞的表演（Abhinaya）与情味（Rasa） – Abhinaya的意思是“把意思传给观众”。《舞论》(Natya Shastra)说它有四种：angika（身体：头、眼、手、脚和全身）、vachika（语言：歌唱、念诵节奏口诀bol）、aharya（服饰：服装、化妆、首饰、脚铃ghungroo、舞台布景）和sattvika（内心感受通过不由自主的迹象表现出来，比如流泪、发抖、出汗或脸色改变）。当舞者表现出一种持久的情感（sthayi bhava），再配上起因（vibhava）和外在表现（anubhava），观众就会“品尝”到一种叫rasa（情味）的情绪。一共有九种rasa：shringara（爱）、hasya（笑）、karuna（悲）、raudra（怒）、veera（勇）、bhayanaka（恐惧）、bibhatsa（厌恶）、adbhuta（惊奇）和shanta（平静）。关键术语：sangeet（歌唱、器乐和舞蹈合在一起）、tal（节拍循环，例如16拍的teental）、laya（速度：vilambit慢、madhya中、drut快）、bhramari（旋转，即chakkar）、lokadharmi（自然、像日常生活的表现）和natyadharmi（程式化、舞台化的表现）。
• 婆罗多舞的阿达乌与曲目 – 阿达乌（adavu）是婆罗多舞最基本的单位：一个固定的身体姿势，加上脚步和手的动作，跟着节奏口诀（sollukattu）一起完成。大多数阿达乌都在阿拉曼迪（aramandi，半蹲姿）中跳。Tattadavu 是用脚拍地，Nattadavu 是用脚跟向外伸出。每一种都要练三种速度（每拍 1 步、2 步和 4 步）。几个阿达乌连起来就成了科尔外（korvai，一段落在第一拍上的组合），科尔外再组成曲目，比如阿拉里普（alarippu，三拍的 tisra eka 节拍）、jatiswaram 和 tillana。阿迪节拍（Adi tala，8 拍）和鲁帕卡节拍（Rupaka tala，6 拍）用拍手、数手指和挥手来打。
• 设计流程：从问题到产品 – 设计流程是设计师为真实的人解决真实问题时用的一圈步骤：先调研需求，再用任务书和可测量的规格把问题说清楚，然后想出许多点子，做出原型，最后对照规格进行测试和评价。哪里不合格，就回到前面再来一圈。这种反复改进叫迭代，几乎所有产品、应用、建筑和作品都是这样越改越好的。
• 审美感知 – 审美感知，是用所有感官去留意世界的颜色、形状、线条和质感，感受它们给你的心情，再用自己的方式表达出来。没有唯一正确的感受。慢慢地、认真地看，是一种越练越强的本领。
• 文学改编：故事如何从书走到电影、话剧或游戏 – 改编是指用一部旧作品，在另一种媒介里做出的新作品，比如把小说拍成电影、话剧、漫画、电视剧或游戏。每种媒介都有自己的工具和限制，所以改编者要删减、合并、改动，有时还要新增。改编可以是忠实的、宽松的，或自由的（把故事搬到新的时间或地点）。比较原著和改编作品时，要看哪里变了、为什么变，以及产生了什么新的意义。
• 舞蹈：四要素、编舞与舞蹈种类 – 舞蹈是身体在空间和时间中，带着能量做出的动作，用来表达感情、讲故事或庆祝。每一支舞都可以用四个要素来描述：身体（什么在动）、空间（在哪里动：高度、方向、路线）、时间（什么时候动：速度、节奏、停顿）和能量（怎么动：干脆还是柔和，有力还是轻盈）。编舞就是用动机、重复、卡农、齐舞、对比和队形等手法来安排动作。好的舞者要练技巧、注意安全、学会表达；好的观众会描述、分析、解读和评价自己看到的舞蹈。从古典舞、民间舞到芭蕾和街舞，每种舞蹈形式都来自各自的文化和历史。
• 戏剧:要素、舞台技巧与表演 – 戏剧是由演员扮成角色、在观众面前把故事演出来的艺术。每部戏剧都有想要某样东西的角色;当大家想要的东西互相冲突,就产生了冲突;情节让紧张感一步步升高,到达高潮,然后得到解决。此外还有对白、背景和主题。在舞台上,演员用声音和肢体表演,制作团队再加上灯光、布景、服装和音效。
• 艺术史：从洞穴岩壁到今天 – 人类创作艺术至少已有4万年。史前艺术在洞穴墙壁上留下动物和手印。古代文明为统治者、神灵和来世创作艺术。希腊、罗马、印度、中国、非洲和美洲都形成了各自的古典传统。文艺复兴带来了透视和写实；现代艺术（约1860年起）打破了这些规则；当代艺术可以使用任何材料。要欣赏一件作品，先描述它，再分析它的元素，然后结合背景解读它的意思，最后评判它为什么成功。
• 艺术要素与设计原则 – 艺术要素是艺术家手里的「积木」：线条、形状、形体、色彩、明暗、质感和空间（很多老师还会加上点）。设计原则是安排这些积木的规则：平衡、对比、重点、动势、节奏与图案、比例与尺度，以及统一与变化。懂了这两样，你就能有目的地创作，也能把任何一件作品说清楚。
• 英语副词（Adverbs） – 副词是用来说明动词、形容词或另一个副词的词。大多数副词回答一个问题：怎样（方式）、在哪里（地点）、什么时候（时间）或多么（程度）。很多副词是在形容词后面加 -ly 构成的（slow，slowly），也有很多副词可以比较（fast，faster，fastest）。